The greatest jazz musicians have one trait in common; they make everything sound so ridiculously easy that listeners are liable to lose sight of the blood, sweat and tears which brought them to that pinnacle. Tenor saxophonist Houston Person, an octogenarian who keeps sidestepping every obstacle including Father Time, is one such master; regardless of groove or tempo, he seems perfectly at home, never letting an audience see him sweat, even on flag-wavers such as "Lester Leaps In," one of eight well-chosen numbers on Live in Paris, an impressive and tasteful hour-long concert recorded at the Festival Jazz a la Villette in pre-covid September 2019.https://www.jazzmessengers.com/en/89901/houston-person/live-in-paris
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Los mejores músicos de jazz tienen un rasgo en común; hacen que todo suene tan ridículamente fácil que los oyentes pueden perder de vista la sangre, el sudor y las lágrimas que los llevaron a ese pináculo. El saxofonista tenor Houston Person, un octogenario que sigue esquivando todos los obstáculos, incluido el Padre Time, es uno de esos maestros; independientemente del ritmo o el tempo, parece estar perfectamente en casa, sin dejar que el público lo vea sudar, incluso en temas que ondean banderas como "Lester Leaps In", uno de los ocho números bien elegidos de Live in Paris, un concierto impresionante y de buen gusto de una hora grabado en el Festival Jazz a la Villette en septiembre de 2019 anterior al covid.https://www.jazzmessengers.com/en/89901/houston-person / live-in-paris
Alessio Menconi was born in Genoa – Italy, he approached guitar when he was 10 as self-taught. Considered a prodigy, he start in 1986 is professional career with best italian musicians. In 1992 he won the award as “Best Soloist” in Gran Prix du Jazz”. In 1993 he participated in “Eddie Lang festival”contest (the most important competitions for guitarists in Italy), winning the first prize as best italian jazz guitarist. He play in tour in Europe, Asia, Africa, North, South and Central America and recorded in over 50 cds with several musicians. In 1995 Paolo Conte call him for play in several world tour until 2004 and he recorded four cds. In the same period Billy Cobham wanted him since to play with him in several concerts..In the same year, he have been selected in Paris to play with “ONJ” (orchestre national du jazz) In 2003, He partecipated as only italian to the cd “Voodoo crossing-a tribute to Jimi Hendrix” with Robben Ford, Steve Lukather, Hiram Bullock ,Larry Coryell and many others. Lately is leaded of his own trio and of his solo project with whom just made cds He is the jazz guitar teacher in the conservatory of music in Genoa and he teaches also in conservatorys of Livorno, Cuneo and La Spezia
Actually is one of much important and wanted guitar player in Italy and other countries in Europe. -In 2009 he takes “Jazz lighthouse” Career award. -In 2011 he was included (as only italian) in a cd compilations of world best jazz guitarist. -In 2013 his cd “Sketches of Miles” was included in a compilations of best 100 international jazz records of the year.
He played in: Italy, Switzerland, France, Brazil, Ecuador, Croatia, Russia, Palestine, Uk, Spain, Usa, Austria, Hungary, Guatemala, Belgium, Luxemburg, Holland, Poland, Nicaragua, El Salvador, Argentina, Uruguay, Greece, Macedonia, India, China, Japan, Hong Kong, Zambia, South Africa, Germany and Canada.
Some of the most important musicians he have been playing with: Paolo Conte, Billy Cobham, Jimmy Cobb, Jeff Berlin, Toninho Horta, Adrienne West, Shawnn Monteiro, Marcio Montarroyos, Stefano Bollani, Danny Gottlieb, Enrico Rava, Tullio De Piscopo, Daniel Humair, Albert “Tootie” Heath, Red Holloway, Franco Cerri, Flavio Boltro, Gary Husband, Paolo Fresu, Carl Anderson, Franco Ambrosetti, Gary Bartz and many others… https://www.alessiomenconi.com/alessio-menconi-biography-biografia/
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Alessio Menconi nació en Génova - Italia, se acercó a la guitarra cuando tenía 10 años como autodidacta. Considerado un prodigio, comienza en 1986 su carrera profesional con los mejores músicos italianos. En 1992 ganó el premio como "Mejor Solista" en el Gran Prix du Jazz". En 1993 participó en el "Eddie Lang festival" (el concurso más importante para guitarristas en Italia), ganando el primer premio como mejor guitarrista de jazz italiano. Tocó en giras por Europa, Asia, África, América del Norte, del Sur y Central y grabó más de 50 CDs con varios músicos. En 1995 Paolo Conte le llamó para tocar en varias giras mundiales hasta 2004 y grabó cuatro cds. En el mismo periodo, Billy Cobham le pidió que tocara con él en varios conciertos. En el mismo año, fue seleccionado en París para tocar con la "ONJ" (orchestre national du jazz). En 2003, participó como único italiano en el CD "Voodoo crossing-a tribute to Jimi Hendrix" con Robben Ford, Steve Lukather, Hiram Bullock, Larry Coryell y muchos otros. Últimamente dirige su propio trío y su proyecto en solitario con el que acaba de grabar un CD. Es profesor de guitarra de jazz en el conservatorio de música de Génova y enseña también en los conservatorios de Livorno, Cuneo y La Spezia.
Actualmente es uno de los guitarristas más importantes y solicitados en Italia y otros países de Europa. -En 2009 recibe el premio a la trayectoria "Jazz lighthouse". -En 2011 fue incluido (como único italiano) en un cd recopilatorio de los mejores guitarristas de jazz del mundo. -En 2013 su cd "Sketches of Miles" fue incluido en una recopilación de los 100 mejores discos de jazz internacionales del año.
Ha tocado en: Italia, Suiza, Francia, Brasil, Ecuador, Croacia, Rusia, Palestina, Uk, España, Usa, Austria, Hungría, Guatemala, Bélgica, Luxemburgo, Holanda, Polonia, Nicaragua, El Salvador, Argentina, Uruguay, Grecia, Macedonia, India, China, Japón, Hong Kong, Zambia, Sudáfrica, Alemania y Canadá.
Algunos de los músicos más importantes con los que ha tocado son Paolo Conte, Billy Cobham, Jimmy Cobb, Jeff Berlin, Toninho Horta, Adrienne West, Shawnn Monteiro, Marcio Montarroyos, Stefano Bollani, Danny Gottlieb, Enrico Rava, Tullio De Piscopo, Daniel Humair, Albert "Tootie" Heath, Red Holloway, Franco Cerri, Flavio Boltro, Gary Husband, Paolo Fresu, Carl Anderson, Franco Ambrosetti, Gary Bartz y muchos otros...
During
the years Danish guitarist/composer Karsten Houmark has played with
a.o. Dave Liebman, Adam Nussbaum, Palle Mikkelborg, Bo Stief and The
Danish Radio Big Band. The titles on this disc are all Houmark originals
superbly performed by the leader in the company of famed countrymen
Thomas Clausen, Lennart Ginman and Jonas Johansen. The opening track
"Four" holds a threat and a cheerfulness with demonic undercurrents that
let the music go on the loose in a disciplined way. Life is a
challenge, the music wants it all, including lovely solos and a
beautiful ending ... https://www.storyvillerecords.com/products/four-stcd4197
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A
lo largo de los años, el guitarrista y compositor danés Karsten Houmark
ha tocado con, entre otros, Dave Liebman, Adam Nussbaum, Palle
Mikkelborg, Bo Stief y la Danish Radio Big Band. Los títulos de este
disco son todos originales de Houmark, magníficamente interpretados por
el líder en compañía de sus afamados compatriotas Thomas Clausen,
Lennart Ginman y Jonas Johansen. El tema que abre el disco, "Four",
encierra una amenaza y una alegría con trasfondos demoníacos que dejan
que la música vaya por libre de forma disciplinada. La vida es un reto,
la música lo quiere todo, incluyendo encantadores solos y un hermoso
final ... https://www.storyvillerecords.com/products/four-stcd4197
Eric Gale was a top studio guitar man, and a first call session player on many dates from the '50's through the '90's. His reliable accompaniment can be appreciated on scores of records as a sideman, and through his own efforts as leader.
Born Sept. 20, 1938 in Brooklyn of Barbadian parents, Gale studied chemistry at Niagara University. He took up the double bass when he was 12 years old and also played tenor saxophone, trombone and tuba before he chose the guitar. The basis of his style was formed on the 50s and 60s R&B circuit.
He was with the Drifters, Jackie Wilson, the Flamingos and Maxine Brown, before playing in the 60s with King Curtis, Jimmy Smith, David “Fathead” Newman, Mongo Santamaria and Aretha Franklin.
In the early 70s Gale became the house guitarist with Creed Taylor's new CTI Records label. Gale’s association with Creed Taylor began when the celebrated producer was working at Verve Records. Curiously, their first sessions together, on August 18 and October 24, 1966, were part of a Johnny Hodges album titled “Blue Notes;” a very peculiar name for a Verve LP!
During the A&M/CTI years, Eric Gale was heard on albums by Herbie Mann, Soul Flutes, Richard Barbary, Quincy Jones, and J.J. Johnson & Kai Winding. When CTI became a completely independent label, he became the house guitarist for one of its subsidiary labels, Kudu Records, appearing on the first album issued under the Kudu logo: Johnny Hammond’s “Breakout.” Many other sessions followed and, on January 1973, Creed Taylor finally allowed him to record as a leader.His album “Forecast,” was well received and gained him broader recognition outside of just his sideman role.
Even after Eric Gale signed with Columbia, he continued to record as a sideman for Creed. Besides performing as rhythm guitarist on George Benson’s sessions which yielded the albums “Good King Bad,” “Benson & Farrell,” and “Pacific Fire,” he appeared as a featured soloist on Bob James’ last album for CTI, “BJ 4,” as well as on Lalo Schifrin’s two albums for CTI in 1976, “Black Widow,” and “Towering Toccata.”
For Kudu, Gale kept recording until 1977, on albums by Grover Washington, Jr. (Soul Box, Mister Magic, Feels So Good, A Secret Place), Esther Phillips (Capricorn Princess), Idris Muhammad (House of The Rising Sun, Turn This Mutha Out), and Hank Crawford (I Hear A Symphony, Hank Crawford’s Back, Tico Rico). Then, in September 1981, he was reunited again with Creed Taylor during the sessions for “Silk,” the second album by the all-star project Fuse One.
He was in 1975, a founder of the influential funk band Stuff along with artists including Steve Gadd, Cornell Dupree and Richard Tee. They played regularly at Mikell's in Manhattan with only minimal rehearsal, and released four popular albums for Warner Brothers.
In the early 90s he performed as a regular band member in several US television shows. Gale thought like a frontline musician and played like a saxophonist. Gale’s big popularity in Japan is mainly the result of many tours with the legendary Stuff group (which did a best-selling live album at Yubin-Chokin Hall in 1978), Sadao Watanabe (How’s Everything ” Live at Budokan in 1980) and Dave Grusin (Grusin and The NY-LA Dream Band, also at Budokan, in 1982).
Gale was presented by bassist/producer Ron Carter on a strictly jazz date in 1987, for the album “In A Jazz Tradition.” With tenor saxophonist Houston Person, organist Lonnie Smith, and drummer Grady Tate completing the quintet, the music is soul-jazz with a strong dose of bebop. Since Eric Gale rarely recorded in this type of freewheeling group, the swinging set was his definitive jazz recording.
He continued to tour Japan regularly, sometimes three times a year, until 1993.In 1994, soon after performing on Al Jarreau’s “Tenderness” album (fortunately documented on video), Gale passed away on May 25, 1994, in Baja, California.
https://musicians.allaboutjazz.com/ericgale
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Biografía:
Eric Gale fue un guitarrista de estudio de primera clase, y un músico de sesión de primera llamada en muchas fechas de los años 50 a los 90. Su confiable acompañamiento puede ser apreciado en decenas de discos como sideman, y a través de sus propios esfuerzos como líder.
Nacido el 20 de septiembre de 1938 en Brooklyn de padres barbadenses, Gale estudió química en la Universidad de Niágara. Comenzó a tocar el contrabajo a los 12 años y también tocó el saxo tenor, el trombón y la tuba antes de elegir la guitarra. La base de su estilo se formó en el circuito R&B de los años 50 y 60.
Estuvo con los Drifters, Jackie Wilson, los Flamingos y Maxine Brown, antes de tocar en los 60 con King Curtis, Jimmy Smith, David "Fathead" Newman, Mongo Santamaría y Aretha Franklin.
A principios de los 70 Gale se convirtió en el guitarrista de la casa con el nuevo sello de Creed Taylor, CTI Records. La asociación de Gale con Creed Taylor comenzó cuando el célebre productor trabajaba en Verve Records. Curiosamente, sus primeras sesiones juntos, el 18 de agosto y el 24 de octubre de 1966, formaron parte de un álbum de Johnny Hodges titulado "Blue Notes"; ¡un nombre muy peculiar para un LP de Verve!
Durante los años de A&M/CTI, Eric Gale fue escuchado en álbumes de Herbie Mann, Soul Flutes, Richard Barbary, Quincy Jones, y J.J. Johnson & Kai Winding. Cuando CTI se convirtió en un sello completamente independiente, se convirtió en el guitarrista de uno de sus sellos subsidiarios, Kudu Records, apareciendo en el primer álbum publicado bajo el logo de Kudu: "Breakout" de Johnny Hammond. Muchas otras sesiones siguieron y, en enero de 1973, Creed Taylor finalmente le permitió grabar como líder. Su álbum "Forecast", fue bien recibido y le ganó un reconocimiento más amplio, aparte de su papel de sideman.
Incluso después de que Eric Gale firmara con Columbia, continuó grabando como sideman para Creed. Además de actuar como guitarrista rítmico en las sesiones de George Benson que dieron lugar a los álbumes "Good King Bad", "Benson & Farrell" y "Pacific Fire", apareció como solista en el último álbum de Bob James para CTI, "BJ 4", así como en los dos álbumes de Lalo Schifrin para CTI en 1976, "Black Widow" y "Towering Toccata".
Para Kudu, Gale siguió grabando hasta 1977, en álbumes de Grover Washington, Jr. (Soul Box, Mister Magic, Feels So Good, A Secret Place), Esther Phillips (Capricorn Princess), Idris Muhammad (House of The Rising Sun, Turn This Mutha Out), y Hank Crawford (I Hear A Symphony, Hank Crawford's Back, Tico Rico). Luego, en septiembre de 1981, se reunió de nuevo con Creed Taylor durante las sesiones de "Silk", el segundo álbum del proyecto estrella Fuse One.
En 1975, fue uno de los fundadores de la influyente banda de funk Stuff junto con artistas como Steve Gadd, Cornell Dupree y Richard Tee. Tocaron regularmente en Mikell's en Manhattan con sólo un mínimo de ensayo, y lanzaron cuatro álbumes populares para Warner Brothers.
A principios de los 90 actuó como miembro regular de la banda en varios programas de televisión de EE.UU. Gale pensaba como un músico de primera línea y tocaba como saxofonista. La gran popularidad de Gale en Japón es principalmente el resultado de muchas giras con el legendario grupo Stuff (que hizo un álbum en vivo de gran venta en el Yubin-Chokin Hall en 1978), Sadao Watanabe (How's Everything " Live at Budokan en 1980) y Dave Grusin (Grusin and The NY-LA Dream Band, también en Budokan, en 1982).
Gale fue presentado por el bajista/productor Ron Carter en una fecha estrictamente de jazz en 1987, para el álbum "In A Jazz Tradition". Con el saxofonista tenor Houston Person, el organista Lonnie Smith y el baterista Grady Tate completando el quinteto, la música es soul-jazz con una fuerte dosis de bebop. Como Eric Gale rara vez grabó en este tipo de grupo libre, el swinging set fue su grabación definitiva de jazz.
Continuó haciendo giras por Japón con regularidad, a veces tres veces al año, hasta 1993. En 1994, poco después de actuar en el álbum "Tenderness" de Al Jarreau (afortunadamente documentado en vídeo), Gale falleció el 25 de mayo de 1994 en Baja California.
Dan's
approach on the guitar has a legacy feel. There's a touch of Wes
Montgomery here and there, and a Jimmy Raney flavor in his sound. In
addition, Dan can swing and compose. On his new album, Dan is backed by
pianist Donald Vega, bassist Arnon Palty and drummer Byron Landham. All
of the songs are originals and wonderful. Dan wrote Friends on the Moon,
Deep Blue Waltz, I Just Did, Forget Me Not and It's Fine. Palty wrote
House Is What, Let's Stay Warm, Shiny Dolphins, Cat and a Boat and Sweet
Yardley.
For years, the guitar was a pastime for Dan. Born in
Tel-Aviv, Israel, he spent his college years studying computer science
and electrical engineering. After college, he worked in the technology
sector and developed software. But through the years, he played guitar
on the side. Since fourth grade, in fact. For Dan's complete bio, go
here.
Dan also recently started a video series on active jazz
listening for the layperson
(https://www.youtube.com/playlist?list=PLtVqi1qTow_fx6XzP1Vtep2dqqhSeF0D4). by Marc Myers https://www.jazzwax.com/2018/12/dan-adler-friends-on-the-moon.html
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El
enfoque de Dan a la guitarra tiene un aire de legado. Hay un toque de
Wes Montgomery aquí y allá, y un sabor a Jimmy Raney en su sonido.
Además, Dan sabe hacer swing y componer. En su nuevo álbum, Dan está
respaldado por el pianista Donald Vega, el bajista Arnon Palty y el
baterista Byron Landham. Todas las canciones son originales y
maravillosas. Dan escribió Friends on the Moon, Deep Blue Waltz, I Just
Did, Forget Me Not y It's Fine. Palty escribió House Is What, Let's Stay
Warm, Shiny Dolphins, Cat and a Boat y Sweet Yardley.
Durante
años, la guitarra fue un pasatiempo para Dan. Nacido en Tel-Aviv
(Israel), pasó sus años universitarios estudiando informática e
ingeniería eléctrica. Después de la universidad, trabajó en el sector
tecnológico y desarrolló software. Pero a lo largo de los años, tocó la
guitarra de forma paralela. Desde cuarto grado, de hecho. Para ver la
biografía completa de Dan, vaya aquí.
Dan también ha iniciado
recientemente una serie de vídeos sobre la escucha activa del jazz para
los profanos
(https://www.youtube.com/playlist?list=PLtVqi1qTow_fx6XzP1Vtep2dqqhSeF0D4). por Marc Myers https://www.jazzwax.com/2018/12/dan-adler-friends-on-the-moon.html
As a New York based freelance musician, keyboardist Mike DiLorenzo has had the opportunity to perform as a sideman on piano, organ, and synthesizers with a wide range of artists whose styles range from Rhythm and Blues to Latin and Jazz.. Starting with classical piano lessons at the age of 7, has led to performances with such artists as Whitney Houston, Cissy Houston, the grammy award winning NJ Mass Choir, Gerald Alston, Regina Belle, Tisha Campbell, Bo Diddley, Little Anthony and the Imperials and The Shirelles among many others and the Delaware and North Carolina Symphonies. He has performed in such NYC landmarks as Carnegie Hall, Radio City Music Hall, Madison Square Garden, the Blue Note and the Apollo Theater as well as various television appearances on NJN. His original compositions and covers have been played on commercial and syndicated radio across the country and Europe and on reality television shows.
This combination of musical diversity was presented on his first project as a leader entitled "Urbanized". "The idea behind the cd was to create a blend of melodic, jazzy, groove oriented music with contemporary appeal." This mixture of contemporary jazz and R&B mixed with hip-hop and latin elements interacts wonderfully providing a tasteful blend of street beats and melodic improvisation. This concept was then expanded in 2011 with 'Bring It Back" featuring vocalist Norman Durham where the cd made it to #12 on JazzWeek Smooth Jazz Album Charts in November 2011 and #9 on the JazzWeek's Singles Chart for "Can't Hide Love". http://www.mikedilorenzo.com/about/4519745435
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Como músico independiente radicado en Nueva York, el teclista Mike DiLorenzo ha tenido la oportunidad de actuar como sideman en el piano, el órgano y los sintetizadores con una amplia gama de artistas cuyos estilos van desde el Ritmo y el Blues hasta el Latín y el Jazz. Comenzando con lecciones de piano clásico a la edad de 7 años, ha llevado a actuaciones con artistas como Whitney Houston, Cissy Houston, el ganador del premio Grammy NJ Mass Choir, Gerald Alston, Regina Belle, Tisha Campbell, Bo Diddley, Little Anthony and the Imperials y The Shirelles entre muchos otros y las Sinfonías de Delaware y Carolina del Norte. Ha actuado en lugares tan importantes de la ciudad de Nueva York como el Carnegie Hall, el Radio City Music Hall, el Madison Square Garden, el Blue Note y el Apollo Theater, así como en varias apariciones televisivas en la NJN. Sus composiciones originales y portadas han sido tocadas en la radio comercial y sindicada en todo el país y Europa y en programas de televisión de realidad.
Esta combinación de diversidad musical fue presentada en su primer proyecto como líder titulado "Urbanizado". "La idea detrás del cd era crear una mezcla de música melódica, jazzy, orientada al groove con un atractivo contemporáneo." Esta mezcla de jazz contemporáneo y R&B mezclado con elementos de hip-hop y latinos interactúa maravillosamente proporcionando una mezcla de buen gusto de ritmos callejeros e improvisación melódica. Este concepto se amplió en 2011 con "Bring It Back" con el vocalista Norman Durham, donde el cd alcanzó el número 12 en las listas de álbumes de JazzWeek Smooth Jazz en noviembre de 2011 y el número 9 en la lista de singles de JazzWeek por "Can't Hide Love". http://www.mikedilorenzo.com/about/4519745435
Guitar
greats Philip Catherine and Paulo Morello got to know and appreciate
each other in 2010 jamming together at the Burghausen Jazz Festival. In
2017 they teamed up with bassist Sven Faller to start a real
collaboration. The chemistry of this trio turned out to be just right
and lead to a number of well-received concerts. After successfully
continuing their tour in 2018 they decided it was time to document their
efforts in a recording. They named it after one of their favorite
compositions by European jazz pioneer Django Reinhardt: “Manoir de mes
Rêves. https://www.jazzmessengers.com/es/81479/philip-catherine/manoirdemesreves
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Los
grandes de la guitarra Philip Catherine y Paulo Morello se conocieron y
apreciaron en 2010 improvisando juntos en el Festival de Jazz de
Burghausen. En 2017 se unieron al bajista Sven Faller para iniciar una
verdadera colaboración. La química de este trío resultó ser la adecuada y
dio lugar a una serie de conciertos bien recibidos. Tras continuar con
éxito su gira en 2018, decidieron que era el momento de documentar sus
esfuerzos en una grabación. Le pusieron el nombre de una de sus
composiciones favoritas del pionero del jazz europeo Django Reinhardt:
"Manoir de mes Rêves". https://www.jazzmessengers.com/es/81479/philip-catherine/manoirdemesreves
Jarrett is best known for his solo piano performances, which have earned him a devoted following of fans, and a catalog that will remain popular despite the pianist's forced retirement. And Jarrett's portfolio is likely to grow as tapes of live performances surface at a fairly regular clip. Dramaten Theater Stockholm, September 1972 (Restauración 2023), for example, is a rare non-ECM solo concert with all the fire and improvising genius of Jarrett's early masterpieces. The selections that follow are all on the ECM label and are chosen based more on diversity than ranking in the Jarrett solo hierarchy.
“It started out maybe as a result of recording ‘Facing You;’ I can’t remember, but it started out, I remember, at the Heidelberg Jazz Festival [June 1972 – see hereunder], where I was, supposedly, I wasn’t very well-known, I guess, and I came out and did a solo thing, and it was tunes, but I started to connect them somehow. Like, I’d have these transitional parts that connected everything, and then that somehow just moved slowly into the expanded solo concert, where there are no songs whatsoever, and everything is improvised on the spot.” — Keith Jarrett about the idea of long solo piano concerts
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Jarrett es mejor conocido por sus interpretaciones de piano solo, que le han valido seguidores devotos y un catálogo que seguirá siendo popular a pesar del retiro forzado del pianista. Y es probable que la cartera de Jarrett crezca a medida que surjan cintas de presentaciones en vivo a un ritmo bastante regular. Dramaten Theater Stockholm, septiembre de 1972 (Restauración 2023), por ejemplo, es un raro concierto en solitario que no es ECM con todo el fuego y el genio improvisador de las primeras obras maestras de Jarrett. Las selecciones que siguen están todas en la etiqueta ECM y se eligen en función más de la diversidad que de la clasificación en la jerarquía de Jarrett solo.
"Comenzó tal vez como resultado de la grabación de 'Facing You'; no puedo recordar, pero comenzó, recuerdo, en el Festival de Jazz de Heidelberg [junio de 1972-ver a continuación], donde supuestamente no era muy conocido, supongo, y salí e hice algo en solitario, y eran melodías, pero comencé a conectarlas de alguna manera . Como, tendría estas partes de transición que conectaban todo, y luego que de alguna manera simplemente se movían lentamente hacia el concierto solista expandido, donde no hay canciones de ningún tipo, y todo se improvisa en el acto.” - Keith Jarrett sobre la idea de largos conciertos de piano solo
This outstanding vibraphonist and composer was born in Pittsburgh, Pennsylvania. He graduated from Rutgers University with both Masters and Bachelors degrees in music and his teaching activities have included a position at Princeton University. As a resident of the New York area he has performed and recorded with many great musicians including Kenny Barron, Bobby Watson, Mulgrew Miller, David Fathead Newman, Johnny Griffin and Jackie McLean.
He has appeared at concerts and festivals worldwide and has made three recordings as the leader of his own group. His recordings as a leader include Live At Acireale (Red Records), Full Nelson (Sunnyside) and Communications (Criss Cross). Recordings with others include Mulgrew Miller, David “Fathead” Newman, Kenny Barron, Jackie McLean and Johnny Griffin. https://musicians.allaboutjazz.com/stevenelson
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Este destacado vibrafonista y compositor nació en Pittsburgh, Pensilvania. Se graduó en la Universidad de Rutgers con un máster y una licenciatura en música y su actividad docente ha incluido un puesto en la Universidad de Princeton. Como residente en la zona de Nueva York, ha tocado y grabado con muchos grandes músicos, como Kenny Barron, Bobby Watson, Mulgrew Miller, David Fathead Newman, Johnny Griffin y Jackie McLean.
Ha aparecido en conciertos y festivales de todo el mundo y ha realizado tres grabaciones como líder de su propio grupo. Sus grabaciones como líder incluyen Live At Acireale (Red Records), Full Nelson (Sunnyside) y Communications (Criss Cross). Entre las grabaciones con otros músicos se encuentran Mulgrew Miller, David "Fathead" Newman, Kenny Barron, Jackie McLean y Johnny Griffin. https://musicians.allaboutjazz.com/stevenelson
A gifted jazz pianist and Hammond B-3 specialist, Mike LeDonne has earned praise for his deeply swinging work with jazz greats, as well as with his own trio and Groover Quartet. Arriving in New York in the early '80s, LeDonne distinguished himself as a regular member of the Milt Jackson Quartet, the Widespread Depression Orchestra, and as a sideman with such legends as Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, and Benny Golson. Along with sessions for Joshua Redman, Jim Snidero, and Eric Alexander, LeDonne has led his own highly regarded straight-ahead dates including 1988's Bout Time, 1993's Soulmates, and 2005's Night Song. He also leads his own funky Hammond organ group the Groover Quartet with saxophonist Alexander, guitarist Peter Bernstein, and drummer Joe Farnsworth, issuing albums like 2010's The Groover and 2016's That Feelin'.
Born in 1956 in Bridgeport, Connecticut, LeDonne became fascinated by music at a young age while listening to albums at his parent's music store. His father, a guitarist, introduced him to jazz and got him started on piano lessons at age five. By the age of ten, LeDonne was already good enough to begin playing on his father's gigs. After high school, he further honed his skills studying at Boston's New England Conservatory of Music. Graduating in 1979, he moved to New York where he played with the Widespread Depression Orchestra and toured the U.K. with Panama Francis and the Savoy Sultans. Returning to New York in the early '80s, he gained visibility as the house pianist at the noted jazz club Jimmy Ryan's. There, he met and played with a bevy of jazz greats, including Roy Eldridge, Papa Jo Jones, and Vic Dickenson, among others, and toured as a member of the Benny Goodman sextet; he worked with such luminaries as Buddy Tate, Ruby Braff, Art Farmer, James Moody, Dizzy Gillespie, and Sonny Rollins, as well as singers like Annie Ross and Etta Jones. In 1988, LeDonne joined the Milt Jackson Quartet and became the band's musical director after Jackson's death in 1999.
As a leader, LeDonne began recording in 1988, debuting with the post-bop album Bout Time on the Criss Cross label. It featured contributions by trumpeter and flugelhornist Tom Harrell, baritone saxophonist Gary Smulyan, bassist Dennis Erwin, and drummer Kenny Washington. Several more albums followed on Criss Cross throughout the early and mid-'90s, peaking with the sextet album Soulmates, a straight-ahead recording which featured soloists such as alto saxophonist Jon Gordon, tenor saxophonist Joshua Redman, and trumpeter Ryan Kisor. Also during this period, there were sessions with Chris Flory, Duke Robillard, and others.
LeDonne switched to the Double Time label in 1998, issuing To Each His Own, a trio effort with bassist Peter Washington and veteran drummer Mickey Roker. He then paid homage to his former boss, vibraphonist Jackson, on 2001's Bags Groove: A Tribute to Milt Jackson, with saxophonist Jim Snidero, trumpeter Jim Rotondi, altoist Steve Wilson, vibraphonist Steve Nelson, bassist Bob Cranshaw, and drummer Roker. With 2004's Smokin' Out Loud, LeDonne moved to Savant Records showcasing his Hammond B-3 organ chops alongside tenor saxophonist Eric Alexander, guitarist Peter Bernstein, and drummer Joe Farnsworth. Sticking with Savant, he returned a year later with Night Song, a trio date with bassist Ron Carter and drummer Farnsworth. On Fire arrived in 2006 and again showcased LeDonne's organ work with Alexander, Bernstein, and Farnsworth. FiveLive followed in 2008 and featured the pianist in concert at New York's club Smoke with Alexander, Farnsworth, bassist John Webber, and trumpeter Jeremy Pelt.
In 2010, LeDonne continued exploring his love of organ jazz with The Groover, featuring his long-running ensemble dubbed here as the Groover Quartet with saxophonist Alexander, guitarist Bernstein, and drummer Farnsworth. The same group was on board for 2011's Keep the Faith, 2014's I Love Music, and 2015's AwwlRIGHT!, the latter of which also featured Bob Cranshaw and Jeremy Pelt. LeDonne then augmented his Groover Quartet with saxophonist Vincent Herring for 2016's That Feelin', and returned two years later with From the Heart. In 2019, he paired with bassist Christian McBride and drummer Lewis Nash for the trio date Partners in Time.
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Un talentoso pianista de jazz y especialista en Hammond B-3, Mike LeDonne ha ganado elogios por su trabajo de profundo swing con los grandes del jazz, así como con su propio trío y Groover Quartet. Al llegar a Nueva York a principios de los 80, LeDonne se distinguió como miembro regular del Milt Jackson Quartet, la Widespread Depression Orchestra, y como acompañante de leyendas como Dizzy Gillespie, Sonny Rollins y Benny Golson. Además de las sesiones para Joshua Redman, Jim Snidero y Eric Alexander, LeDonne ha dirigido sus propias y muy apreciadas fechas de concierto, entre las que se incluyen Bout Time de 1988, Soulmates de 1993 y Night Song de 2005. También dirige su propio grupo de órgano funky Hammond, el Groover Quartet, con el saxofonista Alexander, el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Joe Farnsworth, publicando álbumes como The Groover de 2010 y That Feelin' de 2016.
Nacido en 1956 en Bridgeport, Connecticut, LeDonne quedó fascinado por la música a una edad temprana mientras escuchaba los álbumes en la tienda de música de sus padres. Su padre, un guitarrista, le introdujo en el jazz y le hizo empezar a tomar clases de piano a los cinco años. A los diez años, LeDonne ya era lo suficientemente bueno como para empezar a tocar en los conciertos de su padre. Después de la escuela secundaria, perfeccionó sus habilidades estudiando en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra en Boston. Tras graduarse en 1979, se trasladó a Nueva York, donde tocó con la Widespread Depression Orchestra y realizó una gira por el Reino Unido con Panama Francis y los Sultanes de Saboya. Al regresar a Nueva York a principios de los años 80, se hizo famoso como pianista invitado en el famoso club de jazz Jimmy Ryan's. Allí conoció y tocó con un grupo de grandes del jazz, como Roy Eldridge, Papa Jo Jones y Vic Dickenson, entre otros, y realizó una gira como miembro del sexteto de Benny Goodman; trabajó con luminarias como Buddy Tate, Ruby Braff, Art Farmer, James Moody, Dizzy Gillespie y Sonny Rollins, así como con cantantes como Annie Ross y Etta Jones. En 1988, LeDonne se unió al Milt Jackson Quartet y se convirtió en el director musical de la banda tras la muerte de Jackson en 1999.
Como líder, LeDonne comenzó a grabar en 1988, debutando con el álbum post-bop Bout Time en el sello Criss Cross. En él participaron el trompetista y fliscornista Tom Harrell, el saxofonista barítono Gary Smulyan, el bajista Dennis Erwin y el baterista Kenny Washington. Varios álbumes más siguieron en Criss Cross a principios y mediados de los 90, alcanzando su punto máximo con el álbum del sexteto Soulmates, una grabación directa que incluía solistas como el saxofonista alto Jon Gordon, el saxofonista tenor Joshua Redman y el trompetista Ryan Kisor. También durante este período, hubo sesiones con Chris Flory, Duke Robillard, y otros.
LeDonne cambió al sello Double Time en 1998, publicando To Each His Own, un esfuerzo en trío con el bajista Peter Washington y el veterano baterista Mickey Roker. Luego rindió homenaje a su antiguo jefe, el vibrafonista Jackson, en el Bags Groove de 2001: A Tribute to Milt Jackson, con el saxofonista Jim Snidero, el trompetista Jim Rotondi, el altoista Steve Wilson, el vibrafonista Steve Nelson, el bajista Bob Cranshaw y el baterista Roker. Con Smokin' Out Loud de 2004, LeDonne se trasladó a Savant Records mostrando sus chuletas de órgano Hammond B-3 junto con el saxofonista tenor Eric Alexander, el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Joe Farnsworth. Siguiendo con Savant, volvió un año después con Night Song, una cita en trío con el bajista Ron Carter y el batería Farnsworth. On Fire llegó en 2006 y volvió a mostrar el trabajo de LeDonne en el órgano con Alexander, Bernstein y Farnsworth. FiveLive le siguió en 2008 y presentó al pianista en un concierto en el club Smoke de Nueva York con Alexander, Farnsworth, el bajista John Webber y el trompetista Jeremy Pelt.
En 2010, LeDonne continuó explorando su amor por el organo jazz con The Groover, presentando su larga trayectoria como cuarteto Groover con el saxofonista Alexander, el guitarrista Bernstein y el baterista Farnsworth. El mismo grupo estuvo a bordo de Keep the Faith de 2011, I Love Music de 2014 y AwwlRIGHT! de 2015, este último también con Bob Cranshaw y Jeremy Pelt. LeDonne aumentó su Groover Quartet con el saxofonista Vincent Herring para That Feelin' de 2016, y volvió dos años después con From the Heart. En 2019, se emparejó con el bajista Christian McBride y el baterista Lewis Nash para la cita del trío Partners in Time.
Organist
Brian Charette steps strongly back onto the scene with his 2014 album,
"Square One,” his first for Posi-Tone. With guitarist Yotam Silberstein
and drummer Mark Ferber, Charette succeeds in offering listeners a fresh
take on the art of the organ trio. While the session is definitely
straight ahead and features some hard swinging highlights, the music is
also elegantly lyrical and brilliantly evocative of a more modern jazz
sensibility. With an amazing combination of talents, some brilliant
performances, and an evocative program of music, including several
amazing new original compositions, "Square One" is sure to bring bright
moments to jazz fans everywhere.
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El
organista Brian Charette regresa con fuerza a la escena con su álbum de
2014, "Square One", su primero para Posi-Tone. Con el guitarrista Yotam
Silberstein y el baterista Mark Ferber, Charette logra ofrecer a los
oyentes una nueva visión del arte del trío de órganos. Aunque la sesión
es definitivamente directa y presenta algunos momentos de swing duro, la
música es también elegantemente lírica y brillantemente evocadora de
una sensibilidad jazzística más moderna. Con una increíble combinación
de talentos, algunas interpretaciones brillantes y un programa musical
evocador, que incluye varias composiciones originales nuevas y
sorprendentes, "Square One" seguro que aportará momentos brillantes a
los aficionados al jazz de todo el mundo.
Billy
Harper's unique music creativity was first noted in Houston, Texas,
where, at age 5, he was singing at sacred and secular functions and
participating in choral and solo singing events. By age 14, he formed
his first Billy Harper Quintet while a student at Evan E. Worthing High
School. Graduating cum laude, he went on to study saxophone and music
theory at North Texas State University and received his Bachelor of
Music degree. He continued graduate studies at NTSU and became a member
of their "big band." That year, 1965, the University's big band won
first prize at the Kansas Jazz Festival.
Harper moved to New York
in 1966 and began attracting attention from some of jazzdom's giants -
Gil Evans, Max Roach, Thad Jones, Mel Lewis, Lee Morgan, Art Blakey and
the Jazz Messengers. He performed, recorded and toured Europe, Japan,
Africa and throughout the United States from 1966 to 1979 with these
groups, as well as his own Billy Harper Quintet.
The Billy Harper
Quintet began receiving notoriety of its own. In 1966, Harper and his
ensemble group were highlighted on the NBC-TV special, "The Big Apple."
With more exposure came bigger audiences and bigger demands for
appearances.
Throughout Harper's career, there has been a pattern
of spiritual growth and innovation. Says Harper: "My feeling is that
music should have a purpose. In the past, it always has been used for
healing and uplifting and meditation. And that's the way I see my music.
I've had people come up after a program to tell me that they felt a
spiritual healing from the music. When that happens, then I feel we're
fulfilling what we're supposed to do. If people are entertained, that's
ok too. But I certainly see a purpose in my music beyond that."
As
a teacher and lecturer, Harper has taught at Livingston College and
Rutgers University. He has also received a special grant from the New
Jersey State Council for the Arts to teach improvisation at 15 high
schools. Awards and honors included 3 Music Composition Grants; two from
the National Endowment of the Arts, and one from the Creative Arts
Program. He also received the International Critics Award for Tenor
Saxophone for two years consecutively.
As a recording artist,
Billy Harper's album, Black Saint exploded on the international jazz
scene in 1976. The reviews all applauded his innovations and prompted
the Modern Jazz League of Tokyo to name the album, "Jazz Record of the
Year - Voice Grand Prix." https://www.allaboutjazz.com/musicians/billy-harper/
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La
creatividad musical única de Billy Harper se notó por primera vez en
Houston, Texas, donde, a los 5 años, cantaba en funciones sagradas y
seculares y participaba en eventos corales y de canto solista. A los 14
años, formó su primer quinteto Billy Harper mientras estudiaba en la
escuela Secundaria Evan E. Worthing. Graduado cum laude, pasó a estudiar
saxofón y teoría musical en la Universidad Estatal del Norte de Texas y
recibió su Licenciatura en Música. Continuó sus estudios de posgrado en
NTSU y se convirtió en miembro de su " big band."Ese año, 1965, la big
band de la Universidad ganó el primer premio en el Festival de Jazz de
Kansas.
Harper se mudó a Nueva York en 1966 y comenzó a atraer la
atención de algunos de los gigantes del jazz: Gil Evans, Max Roach,
Thad Jones, Mel Lewis, Lee Morgan, Art Blakey y los Jazz Messengers.
Actuó, grabó y realizó giras por Europa, Japón, África y por todo
Estados Unidos de 1966 a 1979 con estos grupos, así como con su propio
Quinteto Billy Harper.
El Quinteto de Billy Harper comenzó a
recibir notoriedad propia. En 1966, Harper y su grupo ensemble fueron
destacados en el especial de NBC-TV, " La Gran Manzana."Con más
exposición vinieron audiencias más grandes y mayores demandas de
apariciones.
A lo largo de la carrera de Harper, ha habido un
patrón de crecimiento espiritual e innovación. Harper dice: "Mi
sensación es que la música debería tener un propósito. En el pasado,
siempre se ha utilizado para sanar, elevar y meditar. Y así es como veo
mi música. He tenido gente que vino después de un programa para decirme
que sintieron una sanación espiritual por la música. Cuando eso sucede,
entonces siento que estamos cumpliendo con lo que se supone que debemos
hacer. Si la gente está entretenida, también está bien. Pero ciertamente
veo un propósito en mi música más allá de eso."
Como docente y
conferencista, Harper ha enseñado en Livingston College y Rutgers
University. También ha recibido una subvención especial del Consejo
Estatal de las Artes de Nueva Jersey para enseñar improvisación en 15
escuelas secundarias. Los premios y honores incluyeron 3 Becas de
Composición Musical; dos del Fondo Nacional de las Artes y una del
Programa de Artes Creativas. También recibió el Premio Internacional de
la Crítica al Saxofón Tenor durante dos años consecutivos.
Como
artista de grabación, el álbum de Billy Harper, Black Saint explotó en
la escena internacional del jazz en 1976. Todas las críticas aplaudieron
sus innovaciones y llevaron a la Liga de Jazz Moderno de Tokio a
nombrar el álbum "Grabación de Jazz del Año-Gran Premio de Voz"." https://www.allaboutjazz.com/musicians/billy-harper/
Perhaps Naura's finest album, with all the compositions his, Call was the German pianist's first recording in eight years, following a lengthy period of recovery from polyserositis. The session is splendid testament to an era when classically tinged European reflection and American heat could meld as fruitfully as the long-classic triplet feel of jazz and recent rock accents ("Soledad"), and spontaneous improvisatory verve (parts of "Mary" and "Miriam") inflect what at times is a near-pop sensitivity to matters of narrative bite and dynamics. As Ed Motta points out in a short but useful addition to the original sleevenote by Siegfried Schmidt-Joos (both printed in German and English) while one might think that the Fender Rhodes and the vibraphone are too close to each other sonically to make effective partners, Naura and Schlüter interact to telling and uncrowded effect. Their sensitive use of electronically enhanced sound conjures a rhythmically captivating series of dream-like textures and mood: relish the mix of rubato reverie and freshly conceived propulsion in "Soledad" and "Don't Stop" or the kicking swing of "M.O.C."; the spaciously cast lyricism of the arco-underpinned "Garden" or the 6/8 groove of the Latinate "Mary". Throughout, Weber and the excellent Nay — who didn't play together regularly with Naura — are deep in the pocket, now driving, now caressing music which is very much of its time and yet, in good part, archetypal, timeless. Ars longa, vita brevis, indeed.
Quizas el mejor album de Naura, con todas las composiciones de su autoria, Call fue la primera grabacion del pianista aleman en ocho años, tras un largo periodo de recuperacion de una poliserositis. La sesion es un esplendido testimonio de una era en la que la reflexion europea de tinte clasico y el calor americano podian fusionarse tan fructiferamente como el clasico compas triple del jazz y los acentos del rock mas reciente ("Soledad"), y la verve improvisatoria espontanea (partes de "Mary" y "Miriam") impregna lo que en ocasiones es una sensibilidad casi pop hacia cuestiones de mordiente narrativo y dinamica. Como señala Ed Motta en una breve pero util adicion a las notas originales de Siegfried Schmidt-Joos (ambas impresas en aleman e ingles), aunque podria pensarse que el Fender Rhodes y el vibrafono son demasiado cercanos sonicamente para ser socios efectivos, Naura y Schlüter interactuan con un efecto revelador y sin aglomeraciones. Su uso sensible del sonido electronicamente mejorado conjura una serie ritmicamente cautivadora de texturas y atmosferas oniciras: disfrutad de la mezcla de ensoñacion rubato y propulsion recien concebida en "Soledad" y "Don't Stop" o el swing enardecedor de "M.O.C."; el lirismo de amplio espacio sustentado por el arco en "Garden" o el groove en 6/8 del latinizante "Mary". A lo largo del disco, Weber y el excelente Nay — que no tocaban regularmente juntos con Naura — estan profundamente en el bolsillo, ahora impulsando, ahora acariciando una musica que es muy de su tiempo y sin embargo, en buena parte, arquetipica, atemporal. Ars longa, vita brevis, en efecto.
Review by Scott Yanow Tenor saxophonist J.R. Monterose final recording has some strong moments. He performs a very long (over 18½-minute) version of "Blue Bossa" with pianist Larry Ham, bassist Pat O'Leary, drummer Tom Melito and high-powered fellow tenor Hugh Brodie. While Brodie has his own "Kiamesha" as a feature, Monterose is the only horn on lengthy renditions of "Green Dolphin Street" and "What's New." In better shape than he had been for his Uptown set of 1979, J.R. sounds fairly distinctive and pushes himself. Unfortunately, he never did emerge from obscurity. https://www.allmusic.com/album/bebop-loose-live-mw0000915137
Biography by Scott Yanow J.R. Monterose (not to be confused with fellow tenor Jack Montrose) is most famous for a gig that he personally did not enjoy, playing with Charles Mingus in 1956 and recording on Mingus' breakthrough album Pithecanthropus Erectus. He grew up in Utica, NY, played in territory bands in the Midwest, and then moved to New York City in the early '50s. Monterose played with Buddy Rich (1952) and Claude Thornhill and recorded with (among others) Teddy Charles, Jon Eardley, and Eddie Bert. After leaving Mingus (whom he did not get along with), Monterose played with Kenny Dorham's Jazz Prophets and recorded a strong set for Blue Note as a leader. Although he performed into the 1980s (doubling on soprano in later years), Monterose never really became famous. In addition to his Blue Note date, he led sets for Jaro (a 1959 session later reissued by Xanadu), Studio 4 (which was reissued by V.S.O.P.), a very obscure 1969 outing for the Dutch label Heavy Soul Music (1969), and, during 1979-1981, albums for Progressive, Cadence, and two for Uptown. https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136#biography
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Reseña de Scott Yanow La grabación final del saxofonista tenor J. R. Monterose tiene algunos momentos fuertes. Interpreta una versión muy larga (más de 18½ minutos) de "Blue Bossa" con el pianista Larry Ham, el bajista Pat O'Leary, el baterista Tom Melito y el tenor Hugh Brodie. Si bien Brodie tiene su propia "Kiamesha" como característica, Monterose es la única bocina en las largas interpretaciones de "Green Dolphin Street" y " What's New."En mejor forma de lo que había estado para su set Uptown de 1979, J. R. suena bastante distintivo y se esfuerza. Desafortunadamente, él nunca emergió de la oscuridad. https://www.allmusic.com/album/bebop-loose-live-mw0000915137
Biografía de Scott Yanow J. R. Monterose (que no debe confundirse con su compatriota tenor Jack Montrose) es más famoso por un concierto que personalmente no disfrutó, tocando con Charles Mingus en 1956 y grabando en el álbum revelación de Mingus, Pithecanthropus Erectus. Creció en Utica, Nueva York, tocó en bandas territoriales en el Medio Oeste y luego se mudó a la ciudad de Nueva York a principios de los años 50. Monterose tocó con Buddy Rich (1952) y Claude Thornhill y grabó con (entre otros) Teddy Charles, Jon Eardley y Eddie Bert. Después de dejar a Mingus (con quien no se llevaba bien), Monterose tocó con Jazz Prophets de Kenny Dorham y grabó un set fuerte para Blue Note como líder. Aunque actuó hasta la década de 1980 (doblando a soprano en años posteriores), Monterose nunca se hizo realmente famoso. Además de su fecha Blue Note, dirigió sets para Jaro (una sesión de 1959 reeditada más tarde por Xanadu), Studio 4( que fue reeditada por V. S. O. P.), una salida muy oscura de 1969 para el sello holandés Heavy Soul Music (1969) y, durante 1979-1981, álbumes para Progressive, Cadence y dos para Uptown. https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136#biography
Review from Jazznyt (by Niels Overgård) [original text in Danish]: Han er efterhånden ved at have samlet et ret omfattende bagkatalog, siden han medvirkede på den første Organizers-plade i 1992. Hammondorganisten Kjeld Lauritsen har vendt jazznæsen mod det sydlige USA og Louisiana på det nyeste album Learning to smile. Det er sumpet, blueset, soulet og selvfølgelig pænt jazzet. Han er igen sammen med Per Gade på guitar og Søren Frost på trommer som på den forrige plade Time Zone. Styrken ved den nye plade er at den er mere stringent og fokuseret end den forrige. Kjeld Lauritsen kan mange ting og holder sig fra at vise det hele på en gang. Det er en glad og udadvendt plade, der smitter med sin gode stemning. Stemningen er henad souljazzen. På Blackfoot's Delight - der er trommeslageren Søren Blackfoot Frosts glansnummer med en fed shufflerytme - spiller Per Gade en guitarsolo som man skal tilbage til 60'ernes George Benson for at finde i samme lækre stil. Per Gade spiller den fedeste guitar på pladen, hvor Grant Greens sjæl også kommer forbi flere gange.
Kjeld Lauritsen har med sit nye album begået en lille perle. Det er en af den slags plader, der i den velformede lyd og udtryk vil blive trukket frem når man trænger til noget hammond. Dem har jeg flere af. Jimmy Smith, Jack McDuff eller Jimmy McGriff er gode vennner med min pladespiller. Det er Kjeld Lauritsens plade også blevet. Der er både swing, bossa, blues, rock og soul på pladen - men alt sammen præsenteres med det særlige Kjeld Lauritsen-filter henover. Det er derfor at jeg ikke vil tøve med at anbefale denne plade til de mange Hammond-connoisseurs, der godt kan lide vinyl. Den findes selvfølgelig på vinyl. Den er i sit udstyr med et mat farvestrålende cover og 180 grams vinyl en sand lækkerbisken. Swing med, hvis du ikke er en tør kiks. http://jazznyt.blogspot.com/2015/09/kjeld-lauritsen-learning-to-smile-music.html
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Reseña de Jazznyt (por Niels Overgård): Ya tiene un catálogo bastante extenso desde que participó en el primer disco de los Organizers en 1992. El organista Hammond Kjeld Lauritsen ha dirigido su olfato jazzístico hacia el sur de Estados Unidos y Louisiana en su último álbum Learning to Smile. Es pantanoso, blues, lleno de alma y, por supuesto, bien jazzístico. Está nuevamente con Per Gade en guitarra y Søren Frost en batería, como en el disco anterior Time Zone. La fuerza del nuevo disco es que es más conciso y enfocado que el anterior. Kjeld Lauritsen puede hacer muchas cosas y se abstiene de mostrarlo todo de una vez. Es un disco alegre y extrovertido que contagia su buen estado de ánimo. El ambiente es muy cercano al soul jazz. En Blackfoot's Delight — que es el número destacado del baterista Søren 'Blackfoot' Frost con un pesado ritmo shuffle — Per Gade toca un solo de guitarra al que hay que remontarse al George Benson de los años 60 para encontrar un estilo tan delicioso. Per Gade toca la guitarra más funky del disco, donde el alma de Grant Green también aparece varias veces.
Kjeld Lauritsen ha creado una pequeña joya con su nuevo álbum. Es uno de esos discos que, por su sonido bien formado y su expresión, se sacará cuando se necesite algo de Hammond. Tengo varios así. Jimmy Smith, Jack McDuff o Jimmy McGriff son buenos amigos de mi tocadiscos. El disco de Kjeld Lauritsen también lo ha sido. Hay swing, bossa, blues, rock y soul en el disco — pero todo se presenta con el particular filtro Kjeld Lauritsen encima. Por eso no dudaré en recomendar este disco a los muchos conocedores del Hammond a los que les gusta el vinilo. Existe en vinilo, por supuesto. Con su mate y colorida portada y vinilo de 180 gramos, es una verdadera delicia. ¡Únete al swing si no eres un soso! http://jazznyt.blogspot.com/2015/09/kjeld-lauritsen-learning-to-smile-music.html
Önder Focan started music by playing
mandolin at the age of 8. He switched to guitar at 15 and concentrated
on jazz in 1975. Being mainly self- taught, he has become a jazz
musician most sought after as a guitarist, player, composer arranger and
lyrics writer. In 1986, he got married to Zuhal Focan withn whom
founded Nardis Jazz Club in 2002.
Focan improved his skills in
music and teaching by attending seminars by IAJE (International
Association for Jazz Musicians). From 1996 to 1999, he conducted Jazz
Ensemble courses at the Istanbul Academy. In 1997, he performed in the
Guitar Night that was organized by MIDEM (Marché International du Disque
et de l’Edition Musicale) with 11 international guitarists representing
Istanbul Culture and Arts Fund (IKSV).
Between the years of 2001
and 2005, he taught harmony classes at Mujdat Gezen Art Centre where he
was elected as the best artist in Western Music in 2000. At Yildiz
Technical University, he lectured “Jazz Styles in Analysis” in 2003-2004
and also “Jazz Guitar” in 2006-2007.
Since 2002, he has been the
art director of Nardis Jazz Club, where he organizes concerts for more
than 315 musicians and accompanies them on stage every year. Some of
these musicians are Benny Golson, Kurt Elling, Dianne Reeves, Al Foster,
Dee Dee Bridgewater, Roy Haynes, Tierney Sutton, Kenny Drew Jr,
Roseanne Vitro, Christian Mc Bride, Roy Hargrove, Ron Carter and
majority of top local musicians.
Always valuing and recognizing
social responsibility projects, Focan has directed and the coordinated
IPMN (Istanbul – Pori Music Networking). This project supported jazz
education, enabling young musicians to have experience on stage in both
cities, Istanbul and Pori.
He has released 13 CD’s. In 1998, featuring the great drummer Bill Stewart and Hammond B3 player Sam Yahel, his album
“Beneath The Stars” honored him as the first Turkish Jazz musician to have released an album on Blue Note label. He
has participated in 94 Festivals, while 43 have taken place in various
cities in Turkey, the other 51 have been in other countries such as the
USA (Los Angeles), France, Germany, China, Malta, Italy, Brazil,
Senegal, Indiana, Finland, Australia, Jordan, Hungary, Switzerland,
Croatia and Estonia. http://focanjazz.com/bio/
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Önder
Focan se inició en la música tocando la mandolina a los 8 años, se pasó
a la guitarra a los 15 y se concentró en el jazz en 1975. Siendo
principalmente autodidacta, se ha convertido en un músico de jazz muy
solicitado como guitarrista, intérprete, compositor, arreglista y
escritor de letras. En 1986 se casó con Zuhal Focan, con quien fundó el
Nardis Jazz Club en 2002.
Focan se perfeccionó en la música y la
enseñanza asistiendo a seminarios de la IAJE (Asociación Internacional
de Músicos de Jazz). De 1996 a 1999, dirigió cursos de conjuntos de jazz
en la Academia de Estambul. En 1997, actuó en la Noche de la Guitarra
que organizó el MIDEM (Marché International du Disque et de l'Edition
Musicale) con 11 guitarristas internacionales en representación del
Fondo de Cultura y Arte de Estambul (IKSV).
Entre los años 2001 y
2005, impartió clases de armonía en el Centro de Arte Mujdat Gezen,
donde fue elegido mejor artista de música occidental en 2000. En la
Universidad Técnica de Yildiz, impartió clases de "Estilos de Jazz en
Análisis" en 2003-2004 y también de "Guitarra de Jazz" en 2006-2007.
Desde
2002, es el director artístico del Club de Jazz Nardis, donde organiza
conciertos para más de 315 músicos y los acompaña en el escenario cada
año. Algunos de estos músicos son Benny Golson, Kurt Elling, Dianne
Reeves, Al Foster, Dee Dee Bridgewater, Roy Haynes, Tierney Sutton,
Kenny Drew Jr, Roseanne Vitro, Christian Mc Bride, Roy Hargrove, Ron
Carter y la mayoría de los mejores músicos locales.
Siempre
valorando y reconociendo los proyectos de responsabilidad social, Focan
ha dirigido y coordinado el IPMN (Istanbul - Pori Music Networking).
Este proyecto apoyó la educación del jazz, permitiendo a los jóvenes
músicos tener experiencia en el escenario en ambas ciudades, Estambul y
Pori.
Ha publicado 13 CD. En 1998, con el gran baterista Bill Stewart y el intérprete de Hammond B3 Sam Yahel, su álbum
"Beneath The Stars" le honró como el primer músico de jazz turco que publicó un álbum en el sello Blue Note. Ha
participado en 94 festivales, mientras que 43 han tenido lugar en
diversas ciudades de Turquía, los otros 51 han sido en otros países como
Estados Unidos (Los Ángeles), Francia, Alemania, China, Malta, Italia,
Brasil, Senegal, Indiana, Finlandia, Australia, Jordania, Hungría,
Suiza, Croacia y Estonia.
Descripcion (fuentes: La Nacion Paraguay, ultimahora.com, clarencejazzclub.com): Considerado uno de los mejores grupos del jazz y la musica instrumental popular paraguaya, Joaju Cuarteto fue fundado en 2011 por el baterista Victor Sebastian Morel. El grupo representa la vanguardia del jazz en Paraguay, vinculando el genero con la musica popular instrumental y las raices de la tradicion paraguaya. Su primer album, Jazz de Aca, es un tributo a compositores del jazz paraguayo, con arreglos propios del cuarteto realizados en colaboracion con los autores originales. Desde su lanzamiento, el grupo giro por importantes festivales y escenarios en Argentina, Uruguay, Brasil, Bolivia, Ecuador, Colombia, Peru y Europa, recibiendo excelentes criticas a nivel internacional. Su segundo album, Ahoraite (2018), fue nominado como mejor Album de Jazz Instrumental en los Independent Music Awards 2019.
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Description (sources: La Nacion Paraguay, ultimahora.com, clarencejazzclub.com): Considered one of the best jazz and popular instrumental music groups in Paraguay, Joaju Cuarteto was founded in 2011 by drummer Victor Sebastian Morel. The group represents the vanguard of jazz in Paraguay, linking the genre with popular instrumental music and the roots of Paraguayan tradition. Their first album, Jazz de Aca, is a tribute to Paraguayan jazz composers, featuring the quartet's own arrangements made in collaboration with the original authors. Since its release, the group has toured important festivals and venues in Argentina, Uruguay, Brazil, Bolivia, Ecuador, Colombia, Peru and Europe, receiving excellent reviews internationally. Their second album, Ahoraite (2018), was nominated as Best Jazz Instrumental Album at the Independent Music Awards 2019.
Description from Kjeld Lauritsen official website (kjeldlauritsen.dk): Composing tunes and playing them with my fellow musicians has for a long time been one of the biggest thrills in my musical career. At the same time, I have always enjoyed projects where all members of the group are engaged in the process of writing and arranging the music. Hammond Organ 7 is one of those collaborative efforts. Featuring sax masters Bob Rockwell and Hans Ulrik. New star Peter Marott on trumpet and his mentor Erling Kroner on trombone. First-call guitarist Per Gade and swingin' and inventive drummers Espen Laub and Casper Mikkelsen complete the lineup.
Erling Kroner was my original inspiration for assembling this band. Unfortunately Erling became very ill and was unable to perform and record with us. Determined to put out an album with the original group I decided to use live recordings made before Erling fell ill. https://www.kjeldlauritsen.dk/?page_id=102
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Descripción del sitio oficial de Kjeld Lauritsen (kjeldlauritsen.dk): Componer temas y tocarlos con mis compañeros músicos ha sido durante mucho tiempo una de las mayores emociones de mi carrera musical. Al mismo tiempo, siempre he disfrutado de proyectos en los que todos los miembros del grupo participan en el proceso de composición y arreglo de la música. Hammond Organ 7 es uno de esos esfuerzos colectivos. Con los maestros del saxofón Bob Rockwell y Hans Ulrik. La nueva estrella Peter Marott en trompeta y su mentor Erling Kroner en trombón. El guitarrista de primera fila Per Gade y los swingueantes e inventivos bateristas Espen Laub y Casper Mikkelsen completan la formación.
Erling Kroner fue mi inspiración original para ensamblar esta banda. Desafortunadamente, Erling enfermó gravemente y no pudo actuar ni grabar con nosotros. Decidido a publicar un álbum con el grupo original, decidí usar grabaciones en vivo realizadas antes de que Kroner cayera enfermo. https://www.kjeldlauritsen.dk/?page_id=102
